Ilustración al estilo de Paul collin

DATOS GENERALES
Título: Catálogo Nike Jordan 2008.
Autor: Javier Aztarain De Luis
Nacionalidad: Española
Año: 2009
Movimiento:Ilustración basada en el estilo de Paul Collin,cartelista modernista de los años 30. Famoso por la combinación de diferentes formas ilustrativas.

PARÁMETROS TÉCNICOS
B/N/Color: Color.
Formato: 18,5 x 19
Función: Publicitaria

NIVEL MORFOLÓGICO
Forma de la imagen: La imagen tiene una composición circular. El logotipo de la marca aparece en el centro sobre un fondo de un color gris plano y situado debajo de la canasta. A su izquierda está el soporte y a la derecha el jugador de baloncesto.
Color: En este diseño se combina la utilización de varios colores planos. El gris que sirve como fondo, el rojo de la ropa del chico, el marrón que da color a la piel, el azul de la canasta, el blanco que sirve para rellenar algunas zonas como las zapatillas, la canasta, los ojos y también se aprecia en el contorno, y por último el negro que sirve para dibujar las siluetas y en el logotipo.
Luz: La luz procede de la parte derecha e incide en la ropa del muchacho confiriéndole volumen. La parte izquierda queda más oscura.
Tipografía: El logotipo oficial de Nike.
Proporción: La imagen está perfectamente centrada y todo se encuentra en el mismo plano. La canasta queda en el centro, el soporte donde se sujeta queda a su izquierda y la figura a su derecha. Más abajo encontramos la palabra Nike.

NIVEL COMPOSITIVO
Perspectiva-profundidad: No existe la perspectiva.
Ritmo: No se puede hablar de ritmo, no hay ningún elemento que se repita.
Distribución de pesos: La composición está equilibrada, en un primer momento puede parecer que el jugador destaca sobre el resto de elementos pero la imagen resulta equilibrada por el contraste entre colores planos y las zonas oscurecidas que otorgan volumen a la ropa.
Recorrido visual: La imagen es muy directa porque lo primero que destaca es el símbolo de Nike que se encuentra situado justo en el punto de mayor peso visual de la imagen. Luego llama nuestra atención el blanco de la canasta que nos lleva a la mano del jugador, después se recorre su figura hasta llegar a los pies que por su posición hacia arriba cierran el cículo enmarcando la firma Nike.

DESCRIPCIÓN OBJETIVA

Este diseño ha sido realizado para un cartel de la firma Nike. Ésta es una marca que se dedica a la industria textil, más en concreto a ropa y calzado de estilo deportivo.
En el centro de la imagen está colocado el símbolo de nike destaca por su color negro compacto sobre un fondo gris claro y crea un alto contraste con el blanco de la canasta. El protagonista es un jugador de baloncesto que está en posicíon frontal. Existe un gran contrapunto entre su delgada silueta con colores planos y su ropa con volumen, creado mediante luces y sombras en la ropa. Sus pies están hacia arriba lo que indica que está saltando para encestar. La composicíon es cerrada, la canasta y el jugador crean un círculo en el que se enmarca el logotipo (Nike). La luz procede de la derecha e incide de forma perpendicular en el baloncestista dejando la parte izquierda de la imagen en penumbra. Los colores son planos y están combinados de tal manera que la imagen resulta equilibrada. El que más llama la atención es el blanco. Cumple la ley de tercios, no existe ritmo ni hay perspectiva.

Para su realización se han utilizado diferentes medios; previamente se hizo el dibujo a lápiz sobre un papel, después se utilizó la tableta gráfica para colorearlo en Photoshop y darle los últimos retoques. El resultado obtenido es una imagen simpática y divertida que contempla el significado intrínseco del logotipo mediante un dibujo desenfadado muy cercano a un público juvenil y deportista.



DESCRIPCIÓN SUBJETIVA

Esta imagen fue diseñada para un cartel publicitario de la firma Nike. Ésta es una empresa multinacional estadounidense de ropa,calzado y otros artículos deportivos. Fue fundada en 1986 por Phil Knight y Bill Bowerman. El nombre lo tomaron de la diosa de la mitología griega Niké, que representa la diosa de la Victoria. Tenía el poder de correr y volar a gran velocidad y se le consideraba portadora de buena suerte.El logotipo de Nike está inspirado en una ala de la diosa Victoria. Fue diseñado por Carolyn Davison en 1971.

En la imagen vemos a un jugador de baloncesto saltando. Viste la camiseta número 23, por tanto representa al famoso jugador de la NBA Michael Jordan. Está considerado como el mejor jugador de baloncesto de la historia. Ganó seis anilos con "Chicago Bulls", fue nombrado deportista del año en 1991, y mejor atleta del siglo XX. Ha protagonizado la portada de la prestigiosa revista "Sports Illustrated" en 49 ocasiones desde 1983. Se retiró por primera vez en 1993, después en 1999 y finalmente en 2003.
Nike fue la primera marca en introducir en el mercado unas zapatillas que incorporan a su suela una cámara de aire sellada. Para su comercialización contaron con Michael Jordan como imagen principal. Fue apodado como "Air Jordan".
Es una de las figuras más comercializadas de la historia del deporte.La figura de Jordan, englobaba muchos valores importantes. Era luchador, trabajador, entusiasta, creativo, respetuoso, introvertido, amante de la familia, bromista, humilde y sobre todo un ejemplo ético para el mundo, animando a la gente a hacer deporte y sobre todo, demostrando que era una persona normal y corriente, de carne y hueso.
La imagen hace referencia a este hecho. Es un dibujo basado en la figura de Michael Jordan saltando para meter una canasta. El mensaje resulta inequívoco. La personalidad del jugador hace que sea un personaje altamente comercial. Su imagen engloba la filosofía de la epresa, resulta perfecto para anunciar ropa de estilo deportivo.

A modo de conclusión, Nike y Jordan forman un tandem maravilloso y esta ilustración refleja fielmente su voluntad. Es una composición en la que todos los elementos están muy cuidados, transmiten un mensaje claro y directo, de una manera desnfadada y juvenil.

"The wake"

Video sobre la foto:

http://asoleto.free.fr/deleitosa/video/VELATORIOMP3.avi

Datos Generales
Título: The wake, Spanish village
Autor: W. Eugene Smith
Nacionalodad: Norteamericano
Año: 1951
Procedencia: Etherton gallery
Género: Repertaje
Género 2: Retrato

Parámetros Técnicos
B/N - color: Blanco y negro
Soprte: Papel fotográfico
Objetivo: No disponible, aunque la ejecución permite pensar en el uso de gran angular.

Elementos Morfológicos
Punto: Se pueden destacar los rostros como puntos de interés, especialmente la cara del difunto.
Línea: Hay dos líneas, una curva que viene dada por el difunto y otra recta que la marca la pared.
Planos y espacio: Hay siete planos que dan profundidad a la imágen y están definidos por los sujetos. Cada persona delimita un plano.
Forma: Hay siete personas que se agrupan en formas básicas entre ellas. Por ejemplo las tres del centro forman un triángulo y las tres de la derecha forman otro. El hombre crea una línea curva diagonal desde la izquierda hasta la derecha. Las tres siguientes forman otra línea paralela y la última línea la forman las personas del fondo. Además de ésto, todas las personas forman una diagonal.
Textura: La textura de la pared con color desgastado, la piel, la perilla del difunto, la tela de la almohada y de las ropas.
Nitidez de la imágen: En general la imágen está enfocada, tan sólo el personaje de la derecha puede parecer menos enfocado porque no hay suficiente luz.
Iluminación: La luz incide sobre los rostros de las personas. Hay mucho contraste entre las zonas iluminadas y las que no lo están. Hay dos focos de luz; uno natural, la luz entra por la ventana, y otro artificial.
Contraste: Juega un papel muy importante en esta foto porque carga de dramatismo a la escena. Los rostros de los personajes (a excepción del de la dercha) están muy iluminados, frente a sus ropas oscuras y la habitación.

Sistema Compositivo
Perspectiva: La imágen está compuesta por varios planos que a su vez vienen dados por las personas. Ésto crea una sensación de profundidad. La línea vertical de la pared marca la esquina de la habitación, lo que también ayuda a entender la foto.
Ritmo: El ritmo en la foto está marcado por las personas.
Distribución de pesos: Los puntos de interés recaen sobre las personas lo que ayuda a centrar la atención en la tristeza de su expresión. La imágen está equilibrada.
Ley de tercios: Recaen sobre las mujeres.
Recorrido visual: El primer punto de interés es la cara situada en el centro y girada un poco a la derecha. Su mirada lleva hacia el difunto. En el mismo plano que la mujer central hay otra dos mujeres de mirada perdida. Detrás hay otras dos mujeres y por último a la derecha un hombre.

Espacio de la representación
Estaticidad/dinamicidad: La foto es estática, no hay movimiento.
Pose: No exixte pose ya que es una foto de reportaje, una instantánea.
Interior/exterior: Está hecha en el interior de una casa.
Concreto/abstracto: Se trata de una imágen figurativa.
Perspectiva: La imágen está dividida por la vertical de la pared en dos zonas, en la izquierda el difunto y en la derecha las plañideras.

Tiempo de la representación
Atemporalidad: Ésta foto pertenece a un reportaje de W. Eugene Smith que realizó después de la guerra civil, durante el franquismo en un pueblo extrmeño llamado Deleitosa, luego esá perfectamente ubicada en el tiempo.

Análisis Objetivo
"The wake" de la serie "Spanish Village" fue tomada en el año 1951 por W. Eugene Smith durante su reportaje realizado bajo el régimen franquista.
Retrata a un difunto acompañado por unas plañideras. Los puntos de interés vienen dados por los rostros de las mujeres. Hay tres planos diferenciados en la imágen; el difunto, las tres mujeres de la primera fila, y las otras tres del fondo. El ritmo lo marcan las personas lo que da dinamismo a la imágen, que además está reforzado por la diagonal que forman en conjunto. El contraste de la luminosidad también es un aspecto a destacar teniendo en cuenta que las caras de todas las personas están iluminadas excptuando al hombre de la parte superior derecha que está en penunbra. Ésto refuerza la expresividad de los rostros y dota de mucha fuerza a la foto. A primera vista lo que más llama la atención es la mujer del centro, su mirada dirige al difunto que a su vez lleva hacia la mujer situada a su derecha y las siguientes hasta llegar a la última arriba a la derecha, que exige mayor interés por parte del receptor ya que por su falta de iluminación apenas se distingue. La esponteneidad en la foto es evidente incluso en la mujer del pañuelo, da la sensación de estar limpiándose la lágrimas entre sollozos.

Análisis Subjetivo
Un aspecto interesante de ésta foto es que la cámara está inclinada y gracias a la vertical de la pared, da la sensación de estar dividida en dos sectores. En el lado izquierdo de la foto podemos ver la cara del difunto muy iluminada y la de una mujer con mirada perdida. En el resto de la foto se colocan las demás mujeres y el hombre. Esta foto trasmite la tristeza, la desolación de una familia ante la muerte d un marido, hermano, abuelo... Simboliza la tristeza por la perdida de un familiar, un sentiemiento universal.

Análisis de Koleman Moser

Esta imagen pertenece a la cubierta de la revista Ver Sacrum del año 1899. Dicha revista fue creada por Koloman Moser, junto a Gustav Klimt y Josef Hoffman y publicada desde 1898 hasta 1903. Fue el órgano oficial de la asociación de artistas visuales austriacos que agrupó a los miembros de la secesión Vienesa. Es la primera revista con relieve revestida de blanco. Más que una revista se convirtió en un laboratorio de ideas. Koleman Moser realizó contribuciones muy importantes al diseño gráfico.
Lo que más llama la atención de esta imágen es que está hecha en negativo. Sólo utiliza el color negro. La imagen está compuesta por una mujer con el pelo suelto adornado con unas flores. Cabe destacar también la existencia de un sólo plano, todo está al mismo nivel. A pesar de esto, Moser crea sensación de profundidad, con el gesto de la mujer y su pelo. El ritmo viene marcado por las múltiples curvas y ondulaciones del pelo. El primer punto de interés, es la cara después el pelo y por último las letras. La imágen está perfectamente equilibrada gracias a la habilidad de Moser para combinar los elementos básicos de composición: mancha y línea. Esta ilustración es muy dinámica, gracias a su composición en diagonal.
En la parte superior derecha está el título de la revista "Ver Sacrum" realizada con una tipografía en caja alta y formas curvas acorde con el estilo de letreros limpios y legibles de tipo sin serifa.
La imágen hace referencia al nombre de la revista "Ver Sacrum" que significa Primavera Sagrada. Tanto la expresión de la mujer, como las flores y su melena al viento evocan esta estación.

Portada de Edward Penfield para Harpers

Esta maravillosa impresión en blanco y negro, era la portada de la revista Harper´s en Noviembre del 1903. El autor es Edward Penfield, que además era el director de la revista Harper´s. Podeís comprar un original por un módico precio de 25 dolares, en ebay.

Es una ilustración figurativa de un "cochero" que está esperando a una dama y a una señorita. La imágen está compuesta por dos planos, por un lado el fondo con el carromato y la tipografía, y por otro las dos mujeres. El recorrido visual es circular, primero se lee "Harper´s" luego bajamos por la diagonal implícita en el hombre hacia el caballo. Por último nos fijamos en las mujeres y en "Nov". La tipografía es en caja alta con serifas y muy elegante se parecea la Bodoni, con las 2ª astas finas. El contraste juega un papel fundamental equilibrando los pesos, es evidente en el caballo y en el fondo y también en el carromato y las mujeres. Este contraste lo realiza mediante manchas de color plano, o con textura, lo que ayuda a crear sensción de volumen y hace que la imagen no resulte plana. Prácticamente todas las líneas son curvas a excepción de la línea de tierra, que es una horizontal perfecta. Se puede apreciar la textura a base de puntos en el faldón del cochero, sin olvidarnos de la propia textura del papel.

El conductor mira a las mujeres con cara de pocos amigos, lo que transmite que no le apetece trabajar o que está enfadado. El triángulo formado por el caballo, el conductor y las mujeres, otorga dinamismo a la escena. Al igual que los contrastes de forma y de luminosidad, que nos ayudan a entender la imágen. Otra lectura del contraste podría ser trabajo (cochero) contra ocio (las mujeres).

Para más datos de interés sobre Edward Penfield he encontrado este blog (aunque está en inglés). Espero que os guste, un saludo.

Toulouse Lautrec

Esta genial imagen de Toulouse se la encargaron en 1896 como portada para la revista norteamericana "The chap book". Eligió representar una típica escena de su día a día, mediante la ilustración del "Irish and American Bar". La atracción del bar era el camarero Ralph, famoso por sus potentes cócteles y sus rasgos orientales. Se destaca a Ralph detrás de la barra, y sus rasgos orientales. Aparece sirviendo una copa al cochero de los Rothschild llamado Tom, acompañado de un personaje anónimo.

En primer plano está la plabra "Book" con tipografía en negrita muy redondeada y en positivo, luego nos encontramos con un florero. Más atrás hay cuatro hombres que están situados en diferentes planos. En la parte superior izquierda está la palabra "The chap" en negativo incrustado en el color azul oscuro que crea un juego de contraste etre positvo y negativo. Además la "T" tiene salpicaduras o pinceladas cubriendo el espacio vacio. En la parte superior derecha se intuye una pared o ventana.
Los colores que utiliza son cuatro. Son tonos planos con algunos matices y en general poco saturados. A excepción del azul oscuro que sirve de base donde inscrustar "The chap" y en "Book" que se usa de relleno, y el rectángulo amarillo del fondo. El magenta lo usa con distintas saturaciones en el florero, en la cara del señor de bigotes y en la flor del camarero. El negro lo utiliza para definir la fina línea de los personajes. El amarillo es el color que más usa, pero siempre muy desgastado, pareciendo blanco en la ropa de los personajes.
Uno de los aspectos más importantes de esta imágen es el uso de los contrastes. Lo que más llama la atención es cómo juega con las zonas saturadas y no saturadas del color como he mencionado anteriormente.
De la forma podemos decir que utiliza un trazo a línea muy cuidado y sin muchos detalles. La perspectiva viene dada por la barra del bar que nos ayuda a dividir la imágen en diferentes planos(mencionados anteriormente), destaca el hombre que está al fondo y que ayuda a crear sensación de profundidad.
El ritmo es alterno y lo marcan los hombres que se repiten en la escena.
La imágen sugiere que al fondo hay otro cuarto o tal vez la calle ( color amarillo) y es donde primero centramos nuestra atención. Los personajes están cuidadosamente distrubuídos en el espacio, dando protagonismo al señor del bigote y al camarero. Lautrec utiliza los colores para equilibrar el peso de la escena.


Fuente:

Motivos

El diseño...¿es arte?

Para empezar quiero decir que para mí el diseño no es arte. Buscando por la red me he dado cuenta de que éste es un tema muy hablado en diferentes páginas de internet.
A continuación voy a exponer y desarrollar mis ideas y finalmente incluyo un enlace que me ha parecido muy interesante. No pretendo comentar ni disertar cada una de las opiniones sino simplemente dar la mía propia.

El diseño y el arte están muy ligados. Ambos (diseñador y artista) siguen unas pautas determinadas; la forma, la textura, el ritmo, la composición, el color... Su fin es generar una respuesta en el espectador, pero su función no es la misma.
El diseño tiene una función comercial que el arte no tiene. Un diseñador siempre está sujeto al briefing de una empresa, lo que le limita en muchos aspectos. Es decir, aunque tiene mucha libertad creativa siempre tiene unos márgenes y pautas a las que atenerse que cohartan su creatividad. La dificultad del diseño radica en la combinación de una serie de cuestiones tales como; que cumpla su función de comunicación, que sea ingenioso, original y creativo, que satisfaga las necesidades de comunicación, que pueda adaptarse a diferentes medios y soportes, y que llegue al mayor número de personas posible.
En cambio, la función del artista es en principio desinteresada. Surge de la necesidad de expresar sentimientos o emociones. El artista tiene vocación por el arte. Si bien es cierto que al arte ha estado sujeto a diversos estilos y modas, e incluso mecenazgos a lo largo de la historia.
En conclusión, el artista se diferencia por su talento. El artista nace mientras que el diseñador se hace.
Hay aristas, diseñadodores, y artistas que diseñan. Pero el diseño en sí no es arte ( aunque hace falta un poco de arte para diseñar jeje).
Enlaces:
http://es.wikipedia.org/wiki/Artista
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte
http://foroalfa.org/A.php/El_diseno_grafico_como_arte_visual/124