"The wake"

Video sobre la foto:

http://asoleto.free.fr/deleitosa/video/VELATORIOMP3.avi

Datos Generales
Título: The wake, Spanish village
Autor: W. Eugene Smith
Nacionalodad: Norteamericano
Año: 1951
Procedencia: Etherton gallery
Género: Repertaje
Género 2: Retrato

Parámetros Técnicos
B/N - color: Blanco y negro
Soprte: Papel fotográfico
Objetivo: No disponible, aunque la ejecución permite pensar en el uso de gran angular.

Elementos Morfológicos
Punto: Se pueden destacar los rostros como puntos de interés, especialmente la cara del difunto.
Línea: Hay dos líneas, una curva que viene dada por el difunto y otra recta que la marca la pared.
Planos y espacio: Hay siete planos que dan profundidad a la imágen y están definidos por los sujetos. Cada persona delimita un plano.
Forma: Hay siete personas que se agrupan en formas básicas entre ellas. Por ejemplo las tres del centro forman un triángulo y las tres de la derecha forman otro. El hombre crea una línea curva diagonal desde la izquierda hasta la derecha. Las tres siguientes forman otra línea paralela y la última línea la forman las personas del fondo. Además de ésto, todas las personas forman una diagonal.
Textura: La textura de la pared con color desgastado, la piel, la perilla del difunto, la tela de la almohada y de las ropas.
Nitidez de la imágen: En general la imágen está enfocada, tan sólo el personaje de la derecha puede parecer menos enfocado porque no hay suficiente luz.
Iluminación: La luz incide sobre los rostros de las personas. Hay mucho contraste entre las zonas iluminadas y las que no lo están. Hay dos focos de luz; uno natural, la luz entra por la ventana, y otro artificial.
Contraste: Juega un papel muy importante en esta foto porque carga de dramatismo a la escena. Los rostros de los personajes (a excepción del de la dercha) están muy iluminados, frente a sus ropas oscuras y la habitación.

Sistema Compositivo
Perspectiva: La imágen está compuesta por varios planos que a su vez vienen dados por las personas. Ésto crea una sensación de profundidad. La línea vertical de la pared marca la esquina de la habitación, lo que también ayuda a entender la foto.
Ritmo: El ritmo en la foto está marcado por las personas.
Distribución de pesos: Los puntos de interés recaen sobre las personas lo que ayuda a centrar la atención en la tristeza de su expresión. La imágen está equilibrada.
Ley de tercios: Recaen sobre las mujeres.
Recorrido visual: El primer punto de interés es la cara situada en el centro y girada un poco a la derecha. Su mirada lleva hacia el difunto. En el mismo plano que la mujer central hay otra dos mujeres de mirada perdida. Detrás hay otras dos mujeres y por último a la derecha un hombre.

Espacio de la representación
Estaticidad/dinamicidad: La foto es estática, no hay movimiento.
Pose: No exixte pose ya que es una foto de reportaje, una instantánea.
Interior/exterior: Está hecha en el interior de una casa.
Concreto/abstracto: Se trata de una imágen figurativa.
Perspectiva: La imágen está dividida por la vertical de la pared en dos zonas, en la izquierda el difunto y en la derecha las plañideras.

Tiempo de la representación
Atemporalidad: Ésta foto pertenece a un reportaje de W. Eugene Smith que realizó después de la guerra civil, durante el franquismo en un pueblo extrmeño llamado Deleitosa, luego esá perfectamente ubicada en el tiempo.

Análisis Objetivo
"The wake" de la serie "Spanish Village" fue tomada en el año 1951 por W. Eugene Smith durante su reportaje realizado bajo el régimen franquista.
Retrata a un difunto acompañado por unas plañideras. Los puntos de interés vienen dados por los rostros de las mujeres. Hay tres planos diferenciados en la imágen; el difunto, las tres mujeres de la primera fila, y las otras tres del fondo. El ritmo lo marcan las personas lo que da dinamismo a la imágen, que además está reforzado por la diagonal que forman en conjunto. El contraste de la luminosidad también es un aspecto a destacar teniendo en cuenta que las caras de todas las personas están iluminadas excptuando al hombre de la parte superior derecha que está en penunbra. Ésto refuerza la expresividad de los rostros y dota de mucha fuerza a la foto. A primera vista lo que más llama la atención es la mujer del centro, su mirada dirige al difunto que a su vez lleva hacia la mujer situada a su derecha y las siguientes hasta llegar a la última arriba a la derecha, que exige mayor interés por parte del receptor ya que por su falta de iluminación apenas se distingue. La esponteneidad en la foto es evidente incluso en la mujer del pañuelo, da la sensación de estar limpiándose la lágrimas entre sollozos.

Análisis Subjetivo
Un aspecto interesante de ésta foto es que la cámara está inclinada y gracias a la vertical de la pared, da la sensación de estar dividida en dos sectores. En el lado izquierdo de la foto podemos ver la cara del difunto muy iluminada y la de una mujer con mirada perdida. En el resto de la foto se colocan las demás mujeres y el hombre. Esta foto trasmite la tristeza, la desolación de una familia ante la muerte d un marido, hermano, abuelo... Simboliza la tristeza por la perdida de un familiar, un sentiemiento universal.

Análisis de Koleman Moser

Esta imagen pertenece a la cubierta de la revista Ver Sacrum del año 1899. Dicha revista fue creada por Koloman Moser, junto a Gustav Klimt y Josef Hoffman y publicada desde 1898 hasta 1903. Fue el órgano oficial de la asociación de artistas visuales austriacos que agrupó a los miembros de la secesión Vienesa. Es la primera revista con relieve revestida de blanco. Más que una revista se convirtió en un laboratorio de ideas. Koleman Moser realizó contribuciones muy importantes al diseño gráfico.
Lo que más llama la atención de esta imágen es que está hecha en negativo. Sólo utiliza el color negro. La imagen está compuesta por una mujer con el pelo suelto adornado con unas flores. Cabe destacar también la existencia de un sólo plano, todo está al mismo nivel. A pesar de esto, Moser crea sensación de profundidad, con el gesto de la mujer y su pelo. El ritmo viene marcado por las múltiples curvas y ondulaciones del pelo. El primer punto de interés, es la cara después el pelo y por último las letras. La imágen está perfectamente equilibrada gracias a la habilidad de Moser para combinar los elementos básicos de composición: mancha y línea. Esta ilustración es muy dinámica, gracias a su composición en diagonal.
En la parte superior derecha está el título de la revista "Ver Sacrum" realizada con una tipografía en caja alta y formas curvas acorde con el estilo de letreros limpios y legibles de tipo sin serifa.
La imágen hace referencia al nombre de la revista "Ver Sacrum" que significa Primavera Sagrada. Tanto la expresión de la mujer, como las flores y su melena al viento evocan esta estación.

Portada de Edward Penfield para Harpers

Esta maravillosa impresión en blanco y negro, era la portada de la revista Harper´s en Noviembre del 1903. El autor es Edward Penfield, que además era el director de la revista Harper´s. Podeís comprar un original por un módico precio de 25 dolares, en ebay.

Es una ilustración figurativa de un "cochero" que está esperando a una dama y a una señorita. La imágen está compuesta por dos planos, por un lado el fondo con el carromato y la tipografía, y por otro las dos mujeres. El recorrido visual es circular, primero se lee "Harper´s" luego bajamos por la diagonal implícita en el hombre hacia el caballo. Por último nos fijamos en las mujeres y en "Nov". La tipografía es en caja alta con serifas y muy elegante se parecea la Bodoni, con las 2ª astas finas. El contraste juega un papel fundamental equilibrando los pesos, es evidente en el caballo y en el fondo y también en el carromato y las mujeres. Este contraste lo realiza mediante manchas de color plano, o con textura, lo que ayuda a crear sensción de volumen y hace que la imagen no resulte plana. Prácticamente todas las líneas son curvas a excepción de la línea de tierra, que es una horizontal perfecta. Se puede apreciar la textura a base de puntos en el faldón del cochero, sin olvidarnos de la propia textura del papel.

El conductor mira a las mujeres con cara de pocos amigos, lo que transmite que no le apetece trabajar o que está enfadado. El triángulo formado por el caballo, el conductor y las mujeres, otorga dinamismo a la escena. Al igual que los contrastes de forma y de luminosidad, que nos ayudan a entender la imágen. Otra lectura del contraste podría ser trabajo (cochero) contra ocio (las mujeres).

Para más datos de interés sobre Edward Penfield he encontrado este blog (aunque está en inglés). Espero que os guste, un saludo.

Toulouse Lautrec

Esta genial imagen de Toulouse se la encargaron en 1896 como portada para la revista norteamericana "The chap book". Eligió representar una típica escena de su día a día, mediante la ilustración del "Irish and American Bar". La atracción del bar era el camarero Ralph, famoso por sus potentes cócteles y sus rasgos orientales. Se destaca a Ralph detrás de la barra, y sus rasgos orientales. Aparece sirviendo una copa al cochero de los Rothschild llamado Tom, acompañado de un personaje anónimo.

En primer plano está la plabra "Book" con tipografía en negrita muy redondeada y en positivo, luego nos encontramos con un florero. Más atrás hay cuatro hombres que están situados en diferentes planos. En la parte superior izquierda está la palabra "The chap" en negativo incrustado en el color azul oscuro que crea un juego de contraste etre positvo y negativo. Además la "T" tiene salpicaduras o pinceladas cubriendo el espacio vacio. En la parte superior derecha se intuye una pared o ventana.
Los colores que utiliza son cuatro. Son tonos planos con algunos matices y en general poco saturados. A excepción del azul oscuro que sirve de base donde inscrustar "The chap" y en "Book" que se usa de relleno, y el rectángulo amarillo del fondo. El magenta lo usa con distintas saturaciones en el florero, en la cara del señor de bigotes y en la flor del camarero. El negro lo utiliza para definir la fina línea de los personajes. El amarillo es el color que más usa, pero siempre muy desgastado, pareciendo blanco en la ropa de los personajes.
Uno de los aspectos más importantes de esta imágen es el uso de los contrastes. Lo que más llama la atención es cómo juega con las zonas saturadas y no saturadas del color como he mencionado anteriormente.
De la forma podemos decir que utiliza un trazo a línea muy cuidado y sin muchos detalles. La perspectiva viene dada por la barra del bar que nos ayuda a dividir la imágen en diferentes planos(mencionados anteriormente), destaca el hombre que está al fondo y que ayuda a crear sensación de profundidad.
El ritmo es alterno y lo marcan los hombres que se repiten en la escena.
La imágen sugiere que al fondo hay otro cuarto o tal vez la calle ( color amarillo) y es donde primero centramos nuestra atención. Los personajes están cuidadosamente distrubuídos en el espacio, dando protagonismo al señor del bigote y al camarero. Lautrec utiliza los colores para equilibrar el peso de la escena.


Fuente:

Motivos

El diseño...¿es arte?

Para empezar quiero decir que para mí el diseño no es arte. Buscando por la red me he dado cuenta de que éste es un tema muy hablado en diferentes páginas de internet.
A continuación voy a exponer y desarrollar mis ideas y finalmente incluyo un enlace que me ha parecido muy interesante. No pretendo comentar ni disertar cada una de las opiniones sino simplemente dar la mía propia.

El diseño y el arte están muy ligados. Ambos (diseñador y artista) siguen unas pautas determinadas; la forma, la textura, el ritmo, la composición, el color... Su fin es generar una respuesta en el espectador, pero su función no es la misma.
El diseño tiene una función comercial que el arte no tiene. Un diseñador siempre está sujeto al briefing de una empresa, lo que le limita en muchos aspectos. Es decir, aunque tiene mucha libertad creativa siempre tiene unos márgenes y pautas a las que atenerse que cohartan su creatividad. La dificultad del diseño radica en la combinación de una serie de cuestiones tales como; que cumpla su función de comunicación, que sea ingenioso, original y creativo, que satisfaga las necesidades de comunicación, que pueda adaptarse a diferentes medios y soportes, y que llegue al mayor número de personas posible.
En cambio, la función del artista es en principio desinteresada. Surge de la necesidad de expresar sentimientos o emociones. El artista tiene vocación por el arte. Si bien es cierto que al arte ha estado sujeto a diversos estilos y modas, e incluso mecenazgos a lo largo de la historia.
En conclusión, el artista se diferencia por su talento. El artista nace mientras que el diseñador se hace.
Hay aristas, diseñadodores, y artistas que diseñan. Pero el diseño en sí no es arte ( aunque hace falta un poco de arte para diseñar jeje).
Enlaces:
http://es.wikipedia.org/wiki/Artista
http://es.wikipedia.org/wiki/Arte
http://foroalfa.org/A.php/El_diseno_grafico_como_arte_visual/124

Expresionismo abstracto

Según The New York Times, la tela es "No 5, 1948" y fue vendida por el magnate de la industria discográfica y cinematográfica David Geffen, en una transacción privada. Esto explica porque la suma no fue confirmada oficialmente.

La venta bate el récord que tenía desde junio el "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" de Gustav Klimt, comprado por 135 millones de dólares por el magnate neoyorquino de cosméticos Ronald Lauder, también en una intercambio privado.

Info sacada de clarin.com

Continuación

Abstracto geometrico de stuart Mc kean.

pintura abstracta no figuarativa:

La tristeza del rey ( Matisse)

Más fotos sobre la tristeza,esta vez abstractafigurativa

figurativa expresiva

Foto que he sacado de un blog de una chica.
ahí va: (por lo visto debió de quitarlo de su blog).

Otra representación de la tristeza puede ser este cuadro, también sacado del blog de una chica.

otra interpetración de tristeza

Esta chica seria expresionista:

Interpretaciones formales de la tristeza

Un tema y distintas interpretaciones, yo he elegido "la tristeza". Empezaré por subir, como tfunción esquemática: la viñeta. Además de una fotografía, como imagen realista. Por último la imagen subrealista del reloj de Dalí, que representa la tristeza por el pas del tiempo.

Como imagen arquitectonica esta bonita foto del museo Luvre de paris:

Como imagen crítica, incluyo esta de aquí de los bomberos de la coruña:

Quieren hacer un convenio y su lema es "sin convenio estamos en pelotas". Me hacen gracia estos desnudos revindicativos.

Por último como imagen propagandistica para recolectar fondos:

Funciones de la imagen

Función comercial, sale a la venta la primera colonia de Tom Ford. Para los que no sepais quien es, se trata de un prestigioso diseñador que utlimamente está en la cresta de la ola.


Esta imagen, cumple la función simbólica. Un cuervo esperando que un pobre niño muera de hambre, el que hizo la foto, terminó suicidadonde y la he cojido de un blog, porque no me acordaba del autor.

blog:



Esta foto, cumple la función informativa directa. Sino no podríamos saber que pasa cuando se lanza una bomba atomica.





Como función expresiva este cartel de la pélicula El Resplandor de Stanley kubrick. Basada en la novela de Stephen king :

Mi primer entrada

Esta es la primera entrada del blog de historia, mmmh... nunca me han gustado los blogs, asi que me imagino que me limitaré ha hacer los trabajos de clase, en cualquier caso un saludo a todos!